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Formada por Andrew Latimer, Doug Ferguson, Andy Ward y Peter Bardens en 1971, Camel fue una pieza esencial del movimiento de rock progresivo de los años 70, aunque no siempre haya sido el nombre más mediático. Lo que hace que la banda destaque frente a sus contemporáneos es su sensibilidad melódica y su estilo de composición, liderado por el distintivo y emotivo sonido de la guitarra de Latimer.

Dust and Dreams

Después de años de disputas legales con el sello Decca por los derechos del grupo, Latimer logró rescindir el contrato y recuperar la propiedad de sus discos anteriores. Con el polvo de un período de silencio de siete años a sus espaldas, el músico hizo las maletas y se mudó a California persiguiendo el sueño de la libertad creativa a través de su propio sello independiente: Camel Productions.

Inspirado directamente por la obra de John Steinbeck, The Grapes of Wrath (con la esperanza de que la mudanza de Camel hacia el oeste fuera bastante más pacífica que la de la novela), Dust and Dreams (1991) es exactamente el tipo de proyecto pasional que justifica el riesgo de tener una discográfica propia.

El álbum es una producción melancólica, culta y profundamente melódica; un trabajo conceptual minuciosamente estructurado, en su gran mayoría instrumental, que hace las delicias de los seguidores más fieles de la banda.

A pesar de la larga ausencia desde Stationary Traveller (1984), muchas caras familiares regresaron a las filas de Camel: Susan Hoover, Ton Scherpenzeel, Colin Bass, David Paton y Paul Burgess. Andy Latimer, por supuesto, se mantiene como el eje central: compone, asume las voces y guía la música con su magistral trabajo de guitarra.

Aunque algunos pasajes ofrecen el sonido clásico de la banda, Dust and Dreams divide inicialmente su tiempo entre canciones con voz y piezas instrumentales, antes de entregarse por completo a la música puramente instrumental en su segunda mitad. Las 16 pistas están interconectadas, separadas únicamente por un silencio de cuatro segundos antes de «End of the Line», marcando de manera muy efectiva un primer y un segundo acto. El disco funciona como una obra conceptual única dividida en dos secciones unidas en la mente del compositor.

Muy recomendado para quienes aprecian el sonido de Camel de los años 80, pero notablemente diferente de sus primeros cinco álbumes setenteros, las últimas ocho canciones se enlazan como una sola suite instrumental (al estilo de Nude o The Snow Goose). Los pasajes de guitarra de Andrew son soberbios, evocando la brillantez de sus mejores solos en Moonmadness. Además, el álbum se enriquece con matices maravillosos gracias a instrumentos no tan comunes en el rock, como el oboe, el corno francés o la armónica, que encajan a la perfección en los momentos más conmovedores.

El libreto del CD incluye las letras y una excelente fotografía en blanco y negro que captura la estética conceptual del álbum, coordinado por Susan Hoover, quien también coescribió parte de las letras.

La grabación de Dust and Dreams comenzó en el Reino Unido y se completó en los Estados Unidos. Andy lo compuso durante sus «años perdidos» entre 1984 y 1991; de hecho, estas grandes brechas de tiempo le obligaron a reescribir secciones enteras de la obra.

Al final, el disco funciona como un espejo perfecto: refleja tanto el éxodo de los personajes de Steinbeck como el propio viaje de Latimer al dejar el Reino Unido para establecerse en California. Una obra imprescindible donde la literatura y el rock progresivo se funden en una sola alma.

https://www.arts.gov/national-initiatives/nea-big-read/the-grapes-of-wrath

https://www.prog-sphere.com/specials/camel-albums-ranked

http://www.magenta.co.il/camel/albums/dustdrem.htm

Sin mapa. Sin prisa. Sin más plan que ver qué tiene la ciudad para ofrecer hoy.

Callejear no es solo mirar fachadas; es saber escuchar el silencio de las piedras y mimetizarse con el paisaje. Es entender que el «ambiente» no es solo lo que entra por el visor de la cámara; es lo que te golpea la cara mientras caminas. Es el aroma a café en una esquina, el rastro de una floristería o el golpe crudo de los olores del asfalto. La gente, ellos no solo pasan; son parte del paisaje. El compás de los pasos de los desconocidos, el barullo de las voces y el ruido de los autos, una mirada fugaz o una silueta que corta la luz son los que terminan de darle vida a la escena. Todo cuenta.

En un mundo obsesionado con saber exactamente hacia dónde va, el verdadero lujo es salir a perderse. Mantener los ojos abiertos, la capacidad de asombro intacta y disfrutar de cada esquina como si fuera un paisaje nuevo. Un callejón, un punto de luz y nada más que explicar.

La arquitectura pone el escenario, pero el ambiente, sus contrastes y sus caos ponen el alma. Disfrutar del viaje es esto: entender que, en este laberinto de texturas y sensaciones, lo último que necesito es una dirección exacta.

Tuve la gran oportunidad de asistir a la exhibición de Banksy. Nada más que agregar.
Que hable la pared

La vida de Miroslava Stern fue una huida constante que empezó mucho antes de que las cámaras se encendieran. Nació en Praga con un vacío de identidad por ser adoptada, pero ese fue solo el inicio. Al ser acogida por una familia judía, su infancia se convirtió en una pesadilla de persecución nazi. Vivir el horror de un campo de concentración a los trece años y escapar de milagro por Europa le generó un trauma profundo: el mundo para ella era un lugar donde la seguridad no existía y donde la muerte siempre acechaba.

Cuando llegó a México en 1941, no era una inmigrante común, sino una sobreviviente con una culpa silenciosa por haber dejado atrás a su abuela en el horror del Holocausto. Su madre adoptiva era su único soporte emocional, y cuando murió poco después de llegar, Miroslava se quebró. Su primer intento de suicidio en 1945 fue la señal de alerta de un dolor que no era por amor, sino por un sentimiento de estar desconectada del mundo y una orfandad total en un país que, aunque la adoraba, le resultaba ajeno.

A pesar de estas heridas, Miroslava era una mujer de una inteligencia brillante; era culta, sofisticada y hablaba cinco idiomas, lo que la hacía destacar en cualquier lugar. Sin embargo, ese mismo intelecto la hacía consciente de que nunca encajaba del todo en ningún sitio. Por ello, prefería rodearse de exiliados europeos, buscando refugio en círculos intelectuales que compartieran su visión del mundo y su pasado; en contraste, se sentía profundamente incómoda en el ambiente superficial de la cinematografía de la época.

Su padre, el doctor Oskar Stern, quien era médico, sabía perfectamente del desequilibrio emocional y la fragilidad mental de su hija, e intentó protegerla manteniéndola ocupada y vigilada, pero el vacío interno era demasiado grande. En el cine se le veía perfecta, pero por dentro buscaba desesperadamente un protector. Su relación secreta con Cantinflas fue su último intento de encontrar a alguien que la «salvara» de sus propios demonios. Por eso, cuando él le dejó claro que nunca dejaría a su esposa, ella no sintió un simple despecho, sino un abandono absoluto.

Miroslava no se quitó la vida por un simple desamor. Se mató porque el peso de ser una refugiada que sobrevivió a una masacre, sumado a una inestabilidad emocional y una depresión que ni su padre pudo frenar, y al pánico de ser rechazada de nuevo, fue más fuerte que su deseo de seguir fingiendo. Al final, el suicidio fue su manera de dejar de huir de un pasado que nunca la dejó en paz, buscando en la muerte la estabilidad que ni su inteligencia ni su fama pudieron darle desde que salió de Praga.

Investigación: Miroslava Garcia con uso de IA.
Foto: Internet.

La Música (parte1/2)

La Sonata para violín y piano n.º 9 en La mayor, comúnmente conocida como la Sonata Kreutzer, fue compuesta por Ludwig van Beethoven y publicada como su Opus 47 en 1803. Es notable por la extrema exigencia de su parte de violín, por su duración inusual (una ejecución típica supera los 35 minutos) y por su inmenso alcance emocional: mientras el primer movimiento es predominantemente furioso, el segundo es contemplativo y el tercero, alegre y exuberante.

La sonata fue dedicada originalmente al virtuoso polaco George Bridgetower (1779–1860), quien la interpretó junto a Beethoven en su estreno. Sin embargo, tras el recital, mientras compartían una copa, Bridgetower hizo comentarios despectivos sobre una mujer amiga del compositor. Furioso, Beethoven eliminó el nombre del violinista de la dedicatoria y lo sustituyó por el de Rodolphe Kreutzer, considerado el mejor violinista de la época. Irónicamente, Kreutzer jamás la ejecutó, pues la consideraba «intocable» e incomprensible. Aunque Kreutzer fue un prolífico compositor de óperas y director de la Ópera de París, su popularidad decayó antes de su muerte; hoy es recordado casi exclusivamente gracias a la obra de Beethoven.

De sus diez sonatas para violín y piano, la Kreutzer proyecta el carácter huracanado de Beethoven. Su voluntad la creó en uno de esos momentos de entrega absoluta a la música conmovedora, navegando entre lo dramático y lo trágico de la condición humana.

El piano abre la obra y las armonías decrecen hasta que irrumpe la sección principal: un furioso Presto en La menor. Cerca del final, Beethoven recupera brevemente el Adagio inicial antes de cerrar con una coda angustiosa. El primer movimiento contrasta fuertemente con el segundo, una melodía tranquila en Fa mayor seguida de cinco variaciones. Finalmente, la calma se rompe con un atronador acorde en el piano que nos conduce al tercer movimiento: una tarantela virtuosa en 6/8 que termina jubilosamente en una acometida de La mayor.
https://youtu.be/9omtV7evmDg?si=dNjKFVpXrdxOz9DK

La Novela (parte 2/2)

En 1889, León Tolstói publicó la novela La Sonata Kreutzer, titulada así por la obra de Beethoven. En ella, un hombre describe cómo él y su esposa se distanciaron emocionalmente hasta vivir en una tensión constante. Cuando un apuesto violinista entra en sus vidas, él y la esposa del narrador (pianista) interpretan la sonata en una velada musical.
El protagonista explica:
“Estaba torturado, especialmente porque estaba seguro de que hacia mí no tenía otra sensación que de irritación perpetua […] y que este hombre, gracias a su elegancia externa y su novedad, y, sobre todo, gracias a su incuestionable talento y la atracción ejercida bajo la influencia de la música, no solo le agradaría, sino que inevitablemente, y sin dificultad, la subyugaría y conquistaría, y haría con ella lo que quisiera.” — La Sonata Kreutzer, Tolstói (1889).

En el clímax de la historia, el hombre regresa a casa tras un viaje de negocios y encuentra a su esposa cenando a solas con el violinista. Cegado por los celos y lo que considera una violación de la etiqueta social, la asesina. Tras pasar once meses en prisión, es liberado.

Oscilando entre la crítica social y una visión misógina, la novela aborda temas candentes del siglo XIX: retrata vívidamente un matrimonio sin amor, explora el sufrimiento de la mujer ante la falta de derechos y promueve la abstinencia como respuesta a las pasiones descontroladas.

Pese a ser censurada inicialmente, la obra fue un éxito inmediato e inspiró múltiples piezas de teatro y pinturas. El compositor Leoš Janáček, identificado con el drama de la novela, escribió en 1923 su Cuarteto de cuerdas n.º 1, utilizando material de un trío previo inspirado en el libro. 

La sonata y la novela recrean, cada una en su lenguaje, las pasiones más profundas de la naturaleza humana, tejiendo entre la literatura y la música un hilo invisible de donde brotan historias estremecedoras.

El techo es el único horizonte que nos pertenece. Mientras las paredes sostienen el peso de lo cotidiano, el techo representa el cielo; es el lienzo donde la mirada se libera del suelo para reconocerse en su propia inmensidad. Si bien en la antigüedad pintábamos los techos para llenar el vacío con significado, hoy los liberamos de contenido para llenar nuestra mente de paz y tranquilidad.

Hay una simetría necesaria en el acto de observar: tan lúcido es bajar la vista para reconocer la persistencia de una flor en el suelo, como levantarla para entender la magnitud de la Luna en el cielo. La Luna no tiene luz propia y sin embargo domina la noche; acepta lo que recibe y lo devuelve convertido en plata. Es el ejemplo máximo de presencia pura: no juzga lo que ilumina, ya sea un campo de flores o un callejón vacío; su luz cae con la misma imparcialidad sobre todo lo que toca.

Más que un satélite, es el archivo visual de nuestra civilización. Ha sido guía de navegantes, reloj de agricultores y musa constante de quienes buscan en la sombra la claridad que el día no permite. Representa la unidad: es lo único que todos los seres humanos, desde los antiguos astrónomos hasta nosotros hoy, hemos compartido sin excepción.

Su mayor legado no es su brillo, sino su permanencia. Mientras todo abajo cambia, las fronteras se mueven y las ciudades se transforman, la Luna permanece ahí, impasible, recordándonos que somos parte de algo mucho más grande y antiguo que nuestras propias preocupaciones.

Nota adicional:
Hoy, 1 de abril de 2026 (coincidencia), la misión Artemis II inicia su trayecto hacia la órbita lunar con la cápsula Orion. Cabe mencionar que este despliegue técnico, a pesar de su magnitud mediática, no me suscita entusiasmo alguno.

Foto tomada con Telescopio Celestron Astromaster 130